¿Por qué nos gusta tanto la banda sonora de «Nomadland»?

¿Por qué nos gusta tanto la banda sonora de «Nomadland»?

Nomadland  

“Nomadland” está arrasando en la temporada de premios. Excelentemente dirigida por Chloe Zhao, conmovedoramente actuada por Frances McDormand (quizás su mejor papel en una ya muy galardonada carrera), todo parece estar construido a una escala “humana” de la cual es imposible pasar sin evocar alguna emoción o recuerdo. Parte fundamental en ello es la selección de música que realizó Chloe Zhao, que toma como base principalmente el trabajo del compositor italiano Ludovico Einaudi (de quien ya hemos hablado antes). Si bien “BSO magazine” siempre ha promovido comentar bandas sonoras originales, “Nomadland” será una excepción. Acá les comentamos por qué nos gusta tanto.

Oltremare / Ludovico Einaudi.

El primer tema musical en “Nomadland” es “Oltremare”, de Ludovico Einaudi. Original de su disco “Divenire” del año 2006, es quizás una de las piezas más famosas y reconocidas del compositor italiano. De 11 minutos de duración, Chloé Zhao captura totalmente su esencia en el viaje de Fern, un viaje personal pues tras la pérdida de todo lo que era su por entonces su vida (su marido, su trabajo al cerrar la planta donde trabajaban y su hogar), decide emprender viaje. 

“Oltremare”, en italiano, quiere decir “más allá del mar”, en un claro viaje hacia lo exterior, lo desconocido. Precisamente lo que hace Fern. Y pese a que “Oltremare” viene también a aparecer cuando Fern vuelve a casa hacia el final de la película, las decisiones que vuelve a tomar nos ratifican la idea original. Fern se vuelve una nómade, y vuelve a Empire para despedirse. Porque todo viaje debe iniciarse cuando uno está realmente preparado, sin embargo no todas las despedidas son realmente finales.

Seven Days Walking: Day 1: Golden Butterflies / Ludovico Einaudi.

En 2019, Ludovico Einaudi lanzó “Seven Days Walking”, un increíble proyecto inspirado en sus caminatas diarias por los Alpes. Días nevados, donde seguía las mismas rutas y notaba los pequeños cambios en lo que observaba producto del paso del invierno, reflejándolo en su música. Por eso es un experimento que es totalmente sensorial. Parece una constante meditación del compositor de admiración por las diferencias con las que construye las versiones presentes en los 7 discos que forman la colección.

En “Nomadland”, “Seven Days Walking: Day 1: Golden Butterflies” aparece en una escena muy importante. Cuando Fern decide quedarse en la comunidad, camina por ella luego que le dan la bienvenida. Un largo plano secuencia donde solo vemos la excelente actuación de McDormand y escuchamos a Einaudi. El valor de caminar y meditar con ello, observar, valorar, pues de hecho Fern es invitada a integrarse a una serie de conversaciones que ella siempre rechaza: prefiere caminar. Por eso no es casualidad la elección musical de Zhao en este momento. Acá una clip de esa escena. 

Epilogue / Ólafur Arnalds.

Si bien advertimos que esta columna sería una dedicada a Ludovico Einaudi, no podemos dejar de lado otro tema importante y realmente bello, que es “Epilogue” de Ólafur Arnalds. Dejaré que el mismo Arnalds les cuente la historia de “Epilogue”.

Quienes ya vieron “Nomadland”, saben que no es casualidad el nombre de la canción de Arnalds. Su primera aparición es precisamente en el epílogo de la vida de Swankie, quien le cuenta a Fern que tiene un cáncer ramificado del cual difícilmente puede escapra, por lo que su despedida, el epílogo de su vida, es un último viaje. Una escena muy emocionante porque ella necesitaba alguien que la escuche, porque cuenta en pocos segundos y en la intimidad con Dern, cosas tan importantes de su vida. Por supuesto, un tema tan minimalista como el Arnalds, basado en cuerdas y piano, da la intimidad necesaria tanto para las noticias tristes, como para las cosas buenas que surgen de ello (cuando “Epilogue” toma una nueva velocidad desde el 1:50).

Pero es quizás la segunda aparición de “Epilogue” la más emotiva. A otro nómade que ya había aparecido en su vida y acompañada de una fogata, Fern habla de la vida que nunca se desvanecerá ni perderá, recitando el soneto XVIII de Shakespeare.

“So long as men can breathe or eyes can ſee, So long lives this,and this gives life to thee”.

Mientras las personas respiren y los ojos puedan ver, vivirá este poema, que es en el fondo, la vida misma. Esta conversación, que le permite recordar los votos que hice al momento de casarse con el amor de su vida, es el empujón que necesitaba para volver a tomar la carretera.

Petricor / Ludovico Einaudi.

“Petricor” es una de mis favoritas del de Ludovico Einaudi, por lejos. Es el tema ancla de su proyecto “Elements” de 2015, que lo llevó al reconocimiento mundial y ser uno de los artistas con más ventas en Europa, incluyendo todos los géneros. Fue una reivindicación de la música clásica “modernizada” y todos quienes hayan escuchado “Petricor” antes de “Nomadland” lo entenderán fácilmente. 

En “Nomadland” acomapaña el viaje en solitario de Fern tras dejar su comunidad, conectándose con la naturaleza y en el fondo liberándose (de vestimentas, apariencias, historias y lugares). ¿Por qué elige esta canción Zhao? Creo que la respuesta es simple. El preticor es el olor que deja la lluvia al caer sobre suelos secos. Es, en el fondo, una conexión con la tierra por vía del olfato y es lo que Fern logra a medida que avanza la película. Conectarse con su “yo” interior a través de sus viajes. Lástima que suena tan poco en la película, como podrán ver en la película.

La vida de “nómade” no es fácil. Menos cuando se decide empezar a vivirla. Hay soledad y por supuesto dudas. Creo que “Low Mist” refleja precisamente esas dudas, en especial en su primera aparición, pues acompaña a una Fern de cierta manera “tocada” por la presencia de Dave y de cierta manera, una respuesta a la invitación a cambiar que Dave le realiza. El rostro de Fern en toda esa secuencia de escenas es realmente conmovedor. 

Sin embargo, “Low Mist” es el mismo tema con el que Fern decide “huir” de la casa de Dave. Un día lluvioso, con niebla, como la canción. “Dave” podrá ofrecerle muchas cosas, pero es un estilo de vida que no quiere, y por eso, actúa en consecuencia. Vuelve a Amazon, a su rutina, porque es dueña de la vida que quiere vivir. Otra celebración de año nuevo sola, nuevamente cruzar Estados Unidos siguiendo el buen clima. También una invitación no a reconstruir porque sí, sino que al hacerlo, hacernos cargo de nuestro pasado y nuestra historia, que es precisamente el legado de esta película. A honrarlo. 

Así es la vida de un “nómade”. No hay una despedida final. De hecho con esa conversación y esa frase, vuelve a sonar “Low Mist”, convirtiéndose en el tema principal.

Las 5 bandas sonoras nominadas a los Premios Óscars 2018

Como todos los años, un resumen de las 5 bandas sonoras nominadas a los premios de la Academia

Por primera vez en muchos años, las 5 bandas sonoras nominadas a los premios de la Academia no generan dudas. Si bien es cierto que existían otros trabajos que perfectamente podían haber entrado entre las candidatas (en especial Michael Giacchino “War for the Planetof the Apes” y en menor medida por “Coco” y Dario Marianelli por “Darkest Hour”), no tenemos este año ningún trabajo cuya nominación nos haya dejado perplejos, como “Passengers” el año pasado, “Bridge of Spies” hace dos, o “Mr. Turner” yendo un poco más lejos.

Como todos los años, BSO Magazine comenta las 5 nominadas, te indica cuáles son los imperdibles, y hacemos un breve análisis de las posibilidades que tiene de llevarse la estatuilla a la casa el próximo 4 de marzo. Pueden revisar nuestra cobertura a los años anteriores en los siguientes enlaces: 2017, 2016, 2015, 2014.

Dunkirk. Director: Christopher Nolan. Compositor: Hans Zimmer.

Hans Zimmer y Christopher Nolan siguen siendo el dúo más potente de Hollywood. Prueba de ello este año fue “Dunkirk”, pues te guste o no la película, es claro que ambos son capaces de crear una atmósfera que te tiene en el filo del asiento desde el primero minuto. En esta oportunidad, Zimmer lo logra al acudir a una técnica llamada “shepard tone” (que consiste en una serie de tonos separados por una octava, que reproducidos al mismo tiempo, dan la sensación que el tema está en un constante ascenso sin fin, lo que pueden ver desde un comienzo en “The Mole”). Este enfoque musical le permite jugar perfectamente con la urgencia y oscuridad de una cinta que se basa en una historia donde hay poco o nada que celebrar, militarmente hablando.

  • Imperdibles: “The Mole” de entrada presenta el increíble escenario de la evacuación de Dunkerque, la principal línea de relato y la técnica “shepard tone”. “Supermarine” integra lo bélico como un instrumento (a través de percusión que parece metralladora) mientras que “The Oil” refleja un durísimo sentido de urgencia en la evacuación.
  • Posibilidades: si los votantes de la Academía se centran exclusivamente en el rol que la banda sonora cumple en el relato, entonces el premio debiese ser sin lugar a dudas para “Dunkirk”. El trabajo de Zimmer construye toda la atmósfera de la película. Pero si consideramos que no es uno de los favoritos de los votantes, como se ha mostrado siempre, entonces sus posibilidades son pocas frente a las otras.

Phantom Thread. Director: Paul Thomas Anderson. Compositor: Jonny Greenwood.

La banda sonora de “Phantom Thread” es la prueba viviente de cómo las carreras de Paul Thomas Anderson y Jonny Greenwood siguen cruzándose pero han tomado dos caminos totalmente opuestos. Aunque notable, PTA demuestra con su última película estar apuntando a un nicho de culto (“público de cine”), mientras que Greenwood comienza a madurar (en el buen sentido de la palabra) su trabajo, haciendo música más agradable universalmente. En lo específico, la virtud de la banda sonora de Greenwood es otorgar la estabilidad que tanto falta al personaje de Daniel Day-Lewis, y permitir que Alma construya a su alrededor un hilo fantasma, de forma silenciosa y elegante, con el cual genere un vínculo de independencia inverso al que habríamos pensado en un comienzo.

  • Imperdibles: “Alma” muestra la elegancia y tranquilidad en el proyecto de Greenwood. El segundo movimiento de “Phantom Thread” muestra los vaivenes de la relación pero también cómo se potencia la figura de Alma, y “For the Hungry Boy” es una excelente balada para demostrarnos como en esta tóxica y violenta relación hay muchísimo amor.
  • Posibilidades: Greenwood está teniendo una silenciosa pero correcta campaña al Óscar. Es uno de los favoritos y quizás silencioso candidato al premio. Su trabajo fue reconocido como los críticos de música de películas como el mejor del año, porlo que no sorprendería que se lleve el Óscar. Tiene un 30% de posibilidades a nuestro juicio.

The Shape of Water. Director: Guillermo del Toro. Compositor: Alexandre Desplat.

Mucha expectativa generaba la reunión de del Toro con Desplat en “The Shape of Water”. Se trataba de una historia difícil de musicalizar, pues en ella convive la brutalidad y violencia de la “criatura” o el activo y su faceta romántica generada tras la interacción con la reprimida y solitaria Elisa. Esto último es muy evidente en los cambios de ánimos, rítmicos e instrumentales de “Egg”. En pocas palabras, Desplat otorga precisamente lo que la película de del Toro necesitaba, una banda sonora perfectamente narrativa y que es consciente de las emociones que busca potenciar y los efectos que producir en el público, en especial la sensación de estar escuchando la música bajo el agua.

  • Imperdibles: “The Shape of Water”, que aparece en los créditos, refleja perfectamente el sonido acuático de la banda sonora. Especial atención deben poner en la construcción del perfil de Elisa en “Elisa’s Theme”, y como “Egg” conjuga la naturaleza violenta con la romántica de la criatura.
  • Posibilidades: tras ganar los Globos de Oro y Critics Choice Awards, es la gran favorita. Alexandre Desplat podría irse a casa con un segundo premio de la Academia tras “The Grand Hotel Budapest” en especial por lograr un tema principal tan marcado y único en su instrumentalización.

Star Wars: The Last Jedi. Director: Rian Johnson. Compositor: John Williams.

Cuando parece que Williams pudo haber llegado a su peak creativo, “The Last Jedi” viene a ser un bálsamo frente a otras franquicias que no saben refrescarse musicalmente, o si lo hacen, es con una importante merma en calidad (como Piratas del Caribe). Por el contrario, Williams encontró el justo balance entre el respeto al pasado musical y la proposición de nuevos temas musicales, potenciando además aquellos que venían desde “The Force Awakens”, como los temas dedicados a Rey, Kylo Ren y la Rebelión. En síntesis, un trabajo que acude al pasado cuando es estrictamente necesario (como en la despedida de Luke) y que se muestra totalmente fresco en lo nuevo, dando paso a los nuevos protagonistas de la franquicia. Todo, superando la barrera que significan 40 años de trabajo.

  • Imperdibles: por ser la transición perfecta desde los Jedi Steps de “The Force Awakens” e introducir el tema del entrenamiento de Rey, “Ahch-To Island”. Por prender la llama de la Rebelión a futuro, “The Spark”, y por vincular el pasado y presente de la franquicia, dando un cierre a la historia de Luke, “Peace and Purpose”.
  • Posibilidades: si hace 2 años la Academia tuvo que decantarse entre Ennio Morricone y John Williams, dando la estatuilla al primero por “The Hateful Eight”, nada impide que este año el premio tenga nuevamente un enfoque de reconocer la trayectoria. Además, al trabajo de John Williams le sobran argumentos para llevarse el premio olvidando el historial de su compositor, por lo que debe ser una de las favoritas.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Director: Martín McDonagh. Compositor: Carter Burwell.

McDonagh no nos cuenta una historia inimaginable en “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”, sino una de cada día y que cobra todavía más sentido el 2017 que nos dejó: el abuso contra las mujeres y la impunidad del sistema judicial. Por eso, es natural que su banda sonora se articule en base a 2 temas principales, uno del dolor (no sólo de Mildred, sino de todos los habitantes de Ebbing), y otro más bélico y confrontacional (representado en la lucha silenciosa pero violenta que representan los carteles). Ambos contrastan en estilos, pero potencian desde el minuto 1 el relato.

  • Imperdibles: la Mildred luchadora se ve reflejada en “Mildred Goes To War”, con sus instrumentos que reflejan el interior de Estados Unidos. La Mildred afligida, dolor que comparte a su manera el jefe Willoughby, muestra su angustia en “My Dear Anne”, la carta de despedida y exculpación tras el suicidio del jefe de policía. Pero no deben ejar de mirar el tránsito del personaje de Sam Rockwell, y el comienzo de su redención en “Collecting The Samples”.
  • Posibilidades: aunque con pergaminos suficientes, debe ser la banda sonora más subestimada del listado. Por lo mismo, creemos que es la con menos posibilidades de llevarse la estatuilla.

Carter Burwell – Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (2017)

Carter Burwell obtiene una nueva nominación a los Oscars con «Three Billboards Outside Ebbing, Missouri»

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