50 mejores bandas sonoras de la década (2010-2019)

Esta noche termina la segunda década de este siglo, y en BSO Magazine hemos preparado este listado con las 50 mejores bandas sonoras de la década, acompañadas de un insuperable playlist. Algunas obras conocidas, otras sorpresa que esperamos les agraden. Esto es lo mejor que nos dejó el mundo de las bandas sonoras entre 2010 y 2019.

1

The Social Network (2010). Compositores: Trent Reznor y Atticus Ross. La película de David Fincher dedicada al origen de Facebook y estrenada a comienzos de la década, fue un gran desafío de modernidad y ritmo. En ello fue fundamental la banda sonora que Trent Reznor y Atticus Ross prepararon, la cual pasa por el increíble minimalismo de “Hand Covers Bruise” hasta la totalmente electrónica “Pieces Form the Whole” con total naturalidad. Por eso quizás el punto más alto de este gran trabajo debe ser funcionar a la perfección en los momentos lúdicos y tensos, o en los logros y en el distanciamiento entre Mark y Eduardo. Ganadora del Globo de Oro y el Óscar el año 2001, y cuyo análisis en extenso pueden revisar en este enlace.

2

Her (2013). Compositores: Arcade Fire y Owen Pallet. Lastimosamente, nuestra segunda banda sonora no está disponible en Spotify, salvo “Moon Song” que canta Scarlett Johannsson. Se volvió, con el tiempo, en esa banda sonora de culto que cuesta encontrar por Mp3. ¿El motivo? La verdad no lo entiendo. La simpleza con que Spike Jonze muestra el amor es la misma simpleza con la cual Arcade Fire y Owen Pallet hacen lo propio con la música, en especial todos los estados desde una relación que parece perfecta hasta su total destrucción (“Divorce Papers”). Les dejo este link a una playlist de Youtube, y en este enlace pueden leer lo que escribimos por entonces.

3

La La Land (2016). Compositor: Justin Hurwitz. “La La Land” debe ser la película más arriesgada que se le pudo ocurrir a Damien Chazelle luego del increíble éxito de “Whiplash” unos años antes. Abordar el mundo del cine a través de un musical generó muchos temores, pero ellos fueron notablemente sobrepasados con el resultado elegante y único de una de mis películas favoritas de la década. Acá hablaremos de la música con gustito a Jazz de Justin Hurwitz, que destaca por la simpleza y belleza de su tema de amor (“Mia & Sebastian’s Theme”), relación que pasa por sus momentos idílicos (“Planetarium”) pero que luego terminará destruyéndose por ser incapaces uno y otro de renunciar a sus sueños para construir algo en conjunto. Por lo mismo, nos quedamos con “Epilogue”, donde Chazelle nos muestra cómo hubiese sido todo si el amor hubiese triunfado, mientras Mia y Sebastian se miran con cariño en Seb’s. Acá pueden revisar nuestro análisis en extenso.

4

Sicario (2015). Compositor: Jóhann Jóhannsson. Jóhann Jóhannsson fue una estrella fugaz que brilló y se apagó en esta década. Luego de una extensa carrera en el viejo continente, Jóhannsson cruzó el charco y de la mano de Denis villeneuve, alcanzó fama mundial. El más potente de sus trabajos fue el excelente thriller de acción “Sicario”, que en 2015 no temió a mostrar la cruda violencia entre carteles mexicanos y “policía” antinarcóticos gringa. Mi parte favorita de su música es dotar de un potente sonido a Ciudad Juárez, que viene desde sus entrañas mismas, esto cuando los norteamericanos cruzan la frontera para iniciar su procedimiento (“The Beast”), música que contrasta por supuesto con un triste y sacrificado país (“Desert Music”, “Melanchilia”, “Soccer Game”). En este enlace nuestra reseña completa.

5

The Hateful Eight (2015). Compositor: Ennio Morricone.   Luego de muchas peleas, Taratino y Morricone firmaron la paz con “The Hateful Eight”, un nuevo western que le significó a Morricone obtener el tan esquivo Óscar (tan esquivo que recuerden, le dieron una estatuilla honoraria). De entrada, Morricone deslumbra con “L’Ultima Diiligenza di Red Rock”, un espectáculo casi teatral donde por mas de 7 minutos la música advierte del tono oscuro e intrigante de la historia que presenciaremos, a través de un tema principal que controla todo el disco. “Neve” incluye el otro tema principal, en otra pieza que se puede dejar corriendo por minutos. Probablemente uno de los últimos grandes trabajos del Maestro. En este enlace encuentran nuestro análisis completo de esta banda sonora.

6

How To Train Your Dragon (2010). Compositor: John Powell. La primera película animada de nuestro listado es “How To Train Your Dragon”, lanzada por DreamWorks el 2010. John Powell prepara la música de esta heroica cinta ambientada en un mundo donde vikingos del poblado de Berk deben enfrentarse constantemente a distintos ataques de dragones, quienes les roban todos sus recursos. La acción casi tragicómica aparece ya de entrada en “This is Berk”, un mundo en el que Hiccup viene a ser un rupturista, gracias a sus habilidades poco comunes: querer entenderse con los dragones y coexistir (idea tomadas en “The Dragon Book”). Desde entonces, Hiccup y su dragón Toothless comenzarán una amistad que los llevará a grandes viajes y logros, los que se destacan todavía más en la música de Powell, desde el inicio de la amistad (“Forbidden Friendship”) hasta el climax (“Test Drive”). La relación con Astrid también tiene un foco especial en la música (“Romantic Flight”). En este enlace nuestro análisis en extenso.

7

The Grand Budapest Hotel (2014). Compositor: Alexandre Desplat. ¿Quien no desearía ser Lobby Boy en un Hotel tan importante como el Grand Budapest? Ubicado en los Alpes europeos está este increíble hotel, cuyo tiempo de gloria está ya en el pasado pero todavía mantiene un aura mística y personajes increíbles. Uno de ellos es “Mr. Moustafa”, otrora lobby boy, o M. Gustave, el Conserje del edificio que por supuesto hacía mucho más que administrarlo (“Overture: M. Gustave H”). A mi juicio esta banda sonora cierra para siempre el vínculo entre Wes Anderson y Alexandre Desplat, y debe ser uno de los puntos más altos en la carrera de este último (premio Óscar incluido).  El sabor general de persecución (“Escape Concerto”, “No Safe House”), en el gélido entorno del Hotel (“Canto At Gabelmesiter’s Peak”), son dos de los elementos que discutimos en extenso a la hora de abordar esta cómica y colorida banda sonora.

8

Victoria (2015). Compositor: Nils Frahm. Esta década nos dio como gran regalo la primera banda sonora del gran compositor alemán Nils Frahm. Una verdadera obra maestra de una película -dirigida por Sebastian Schipper- también notable, pues se construye en base a un plano secuencia único de 140 minutos donde la coordinación, la improvisación y la iluminación son todo. Precisamente improvisación es un tema que se repite en el trabajo de Brahm, quien crea una banda sonora totalmente minimalista y elegante cuando vio la cinta por primera vez. Por lo mismo, se siente muy humana. Los logros o alegrías (como conocer el supuesto techo donde iban cada noche en “Our Own Roof”) son potenciadas por una música sutil y respetuosa, como también sucede con “Them” y nuestros protagonistas celebrando en la pista de baile luego de la tensión del “incidente” en el que se ven involucrados. Nuestro análisis completo en este enlace.

9

Interstellar (2014). Compositor: Hans Zimmer. “Interstellar” es muchas cosas en una. Por cierto, una gran película de acción. Y una que cuestiona a nuestra humanidad en su punto más existencial: sobrevivir. Pero hay un tema que me seduce mucho en “Interstellar”, y es principalmente la promesa de volver que un padre le realiza a su hijo, frente al riesgo evidente de no poder cumplirla. Creo que este íntimo tema se muestra desde entrada en “Cornfield Chase”, que con su majestuoso órgano nos cuenta de ese toque “divino” en la relación de ambos. Un tema principal muy sencillo y fuerte que veremos luego en “Day One”, y que va de la mano con otros quizás más humanos como “Stay” que es el que suena en la icónica llamada a la Tierra. Por supuesto, el disco está lleno de buenos temas, en especial aquellos más modernos dedicados a la operación espacial que orbita alrededor de la historia madre y sus peligros (memorable son “Mountains” o “Detach”. Pueden revisar nuestro análisis completo en este enlace.

10

Tron: Legacy (2010). Compositor: Daft Punk. Lamentablemente, la banda sonora de “Tron: Legacy” no está disponible en Spotify por esta zona. Creada por Daft Punk, no temo en decir que es uno de sus mejores discos, que lamentablemente se terminó perdiendo en una película que no supo satisfacer las expectativas de la precuela de 1982. Los franceses logran meterse en el mundo de videojuegos, logran entrar en “The Grid”, y entregar una música totalmente electrónica (con cameo incluido) en cada uno de los elementos claves de la película, tanto emotivos (“Adagio for Tron”) como los de acción y ciencia ficción (“Derezzed”) y cierre (“Flynn Lives”).

11

Star Wars: The Force Awakens (2015). Compositor: John Williams. Diez años pasaron desde el Episodio III, y los caminos de John Williams con el mundo de Star Wars se juntaron en la película que inicio la trilogía de secuelas, “The Force Awakens”. Por supuesto Williams construye su música haciéndose cargo del legado de tanta cinta anterior (ahí encontramos el tema de Leia, de la Fuerza, o del Halcón Milenario, por contar algunos), pero también construye una serie de temas nuevos como el dedicado a nuestra nueva heroína (“Rey’s Theme”), la música del grupo que viene a ocupar el puesto de la Rebelión (“March of the Resistance”), o el tema de el nuevo representante del lado oscuro de la fuerza, Kylo Ren. Por supuesto estas películas no podrán nunca compararse con las antiguas, pero en lo que a música se refiere no están tan lejos de lo mejor de Williams. Nuestro análisis en extenso en este enlace.

12

Inception (2010). Compositor: Hans Zimmer. El primer compositor que se repite el plato en nuestro listado es Hans Zimmer. Y nuevamente lo hace con Christopher Nolan, en la que es quizás mi película favorita (de las comerciales) en toda la década. En “Inception” para mi está todo bien. Los actores se lucen, el guión es increíblemente desafiante y seductor, y Zimmer logra una sintonía con la música como pocas veces habíamos visto (tanto así que Newton Howard renunció a seguir componiendo la banda sonora de Batman en cooperación a Zimmer dado que se sentía ajeno al vínculo que este generó con Nolan). Desde el sentido de urgencia de “Dream is Collapsing” o “Mombasa” hasta el vínculo entre Dom Cobb y su pareja (“Old Souls”), todo tiene un cierre redondo en “Time”, que debe ser uno de los temas más logrados en la carrera de Zimmer. Una de las primeras bandas sonoras que comentamos en este enlace.

13

Suspiria (2018). Compositor: Thom Yorke. Cuando Jonny Greenwood parecía el miembro de Radiohead destinado a relucir en el mundo de las bandas sonora, Thom Yorke sacó de la nada una de las mejores bandas sonoras de la década, en la adaptación de Luca Guadagnino del clásico de los 80’s, “Suspiria”. La música tiene varios elementos, aunque destaco por mi parte cómo Yorke entiende que tiene que ser “Volk” (la canción que deben bailar en la escuela), la historia de amor del psiquiatra que su esposa abandonó, y la oscuridad de las Madres que controlan el hogar. Además de la increíble canción que es “Suspirium” y su hermoso piano.

14

Mad Max: Fury Road (2015). Compositor: Tom Holkenborg. Quienes no tenemos tantos años no sabemos, probablemente, lo icónico que fue Mad Max en su momento. Esos mismos tomamos una posición bastante indiferente al estreno de “Fury Road” el 2015, pero bastó unos minutos en la sala para darse cuenta que podíamos estar ante la cinta mas icónica de la década. Su música está a la misma altura, y sirvió para que Tom Holkenborg (aka Junkie XL) tuviera su primer blockbuster. Es increíble como juegan los vehículos de percusión y guitarras eléctricas de la cinta un rol en la música (ver “Blood Bag” o “Storm is Coming”), en una película que son 2 horas de la mejor persecución (“Brother in Arms” debe mirarse). Yo me quedo, sin embargo, con la música dedicada a Furiosa, el rescate de las Novias y las Madres. Esta hermosa secuencia se construye con “We Are Not Things” y “Many Mothers”. Nuestro análisis completo al momento de su estreno en este enlace.

15

Arrival (2016). Compositor: Jóhann Jóhannsson. A mi juicio, la banda sonora más intelectual del listado. ¿Cómo puedes construir un lenguaje o comunicarte con seres extraterrestres con los cuales no tienes ningún punto de comparación? Y no sólo eso, ¿cómo te comunicas con quien no entiende la historia como algo lineal -como nosotros-, sino como un círculo perfecto donde todas las cosas se viven al mismo tiempo? Ambas preguntas responde la propuesta musical de Jóhann Jóhannsson. Desde el desconcierto con lo incierto (“Arrival”), hasta el desconcierto de las primeras comunicaciones (“Heptapod B”) o los primeros encuentros (“First Encounters”), construyen una banda sonora sin muchos puntos de referencia, y por ello, fácilmente la más creativa de la década. En este enlace pueden encontrar nuestro análisis completo a este trabajo.

16

Wind River (2017). Compositores: Nick Cave y Warren Ellis. Cuando estalló el escándalo de Harvey Weinsten, la gran cinta perjudicada fue “Wind River” de Taylor Sheridan. De lo mejor que nos dejó el 2017, “Wind River” no tuvo ningún reconocimiento ni nominación importante precisamente por ser la última producción de Weinstein. Muy injusto, por supuesto, porque también con ello se contaminó el gran trabajo de Nick Cave y Warren Ellis, quienes de una forma bien espiritual construyen una banda sonora que habla de la soledad de los pueblos originarios de Estados Unidos y la violencia contra la mujer. Las voces y diálogos en “Tell Me What That Is” nos hablan de un trabajo desde el dolor donde víctima y actores protagónicos sintonizan con el dolor de la familia, de la misma manera que lo hace el mismo Cave, quien había perdido a su hijo poco antes. Todo acompañado de los increíbles violines de Ellis. En este enlace un análisis más extenso.

17

Phantom Thread (2017). Compositores: Jonny Greenwood. Radiohead aporta otro integrante de la banda a este listado, en esta oportunidad, Jonny Greenwood, quien tiene ya hace años bastantes pergaminos por sus colaboraciones previas con Paul Thomas Anderson. En esta oportunidad estamos ante el elegantísimo soundtrack de “Phantom Thread”, donde al igual que el personaje de Daniel Day Lewis con un hilo elegante construye un trabajo bastante clásico con la tensión propia de Reynolds y el excesivo control que ejerce sobre sus musas. Mientras revisan el análisis extenso en este enlace, les recordamos que el mismo 2017 Greenwood realizó la banda sonora de “You Were Never Really Here”, que por poco no clasificó en este listado pero que también recomendamos revisar.

18

Dunkirk (2017). Compositor: Hans Zimmer. La alianza Zimmer-Nolan otorgó otra banda sonora notable en “Dunkirk”, una, diríamos, mucho más técnica y arriesgada. La película dedicada a la evacuación militar más importante de la historia comienza con una escena que muestra la desolación de las tropas estancadas en la playa de Dunkerque y su muelle (“The Mole”). El sentido de urgencia se transmite en virtud del “shepard tone”, una ilusión auditiva en virtud de la cual distintos tonos separados por una octava son tocados en simultáneo produciendo un efecto de constante aumento hasta el infinito. Otro punto importante es la incorporación de sonidos similares al armamento como instrumentos, como se ve en “Supermarine”. Pueden revisar nuestro análisis en extenso acá.

19

Nocturnal Animals (2016). Compositor: Abel Korzeniowski. “Nocturnal Animals” fue la esperada cinta de Tom Ford del año 2016, donde luego del éxito de “A Single Man” el público estaba expectante de una gran producción con un gran elenco. Musicalmente Ford siguió apostando por el polaco Abel Korzeniowski, un todo-estilo y todo-buen gusto en lo que a música se refiere. Una cinta cuyo personaje principal, el de Amy Adams, es una reconocida mujer en el mundo del arte (presentada con “Wayward Sisters”), atormentada por la novela que su ex pareja le dedicó luego de romperle el corazón. Por lo mismo, la música se divide entre la realidad y lo que cuenta el libro (aunque muchas veces se confundan), libro que por supuesto está marcado por la violencia. Por eso les recomiendo la logradísima escena de persecución en “Off the Road”. Nuestro análisis en extenso acá.

20

The Revenant (2015). Compositor: Ryuichi Sakamoto. La atmósfera de “The Revenant” no se construye sólo con la lograda cinematografía de Emmanuel Lubezki, sino también con el espiritual tema principal que Ryuichi Sakamoto otorga al personaje interpretado por Leonardo DiCaprio. “The Revenant – Main Theme” se presenta de entrada, y en base a él se construye gran parte de esta banda sonora que será recordada por la belleza con que mezcla la dura realidad con la esperanza que deriva de los sueños y alucinaciones. (“Imagining Buffalo” o “Second Dream”, por nombrar algunas).

21

If Beale Street Could Talk (2018). Compositor: Nicholas Britell. Uno de los compositores que más me sorprendió esta década, por su elegancia y clase, fue Nicholas Britell. Joven y sin limitaciones, formó con Barry Jenkins una alianza tras “Moonlight” que le significó dos nominaciones al Óscar en apenas 2 años. Su mejor trabajo fue “If Beale Street Could Talk”, la romántica historia construida en un racista Nueva York que condena a los afroamericanos a una vida de riesgos y miseria, obligando a Tish y Fonny a vivir separados por un crimen que este último nunca cometió. La música me parece cotidiana, del amor diario que viven. Si no me creen escuchen “Eden (Harlem)”, “Agape” o “Eden (LES)” y contágiense con su naturalidad. Podría ser el amor de cualquiera, pero es la historia de dos personas que representan a un grupo por siempre excluido.

22

The Shape of Water (2017). Compositor: Alexandre Desplat.   “The Shape of Water” fue una de las películas mas icónicas de la década. Guillermo del Toro contaba con total libertad creativa, y por lo mismo, encontró en Alexandre Desplat a su compositor designado. El resultado es muy, por decirlo así, acuático. El tema principal (“The Shape of Water”) de hecho parece escuchado debajo del agua, como si fuese la única forma de comunicación con el mundo que crea del Toro (vaya casualidad, no?) . En contraste, el tema de Elisa (“Elisa’s Theme”) es totalmente urbano, de alguien solitario en un pequeño apartamento, con un sabor bastante afrancesado propio de Desplat, casi tan feliz como de la amistad con Zelda (“Elisa and Zelda”). Ambos temas se unen luego en la increíble historia de amor que se construirá (“The Silence of Love”). En este enlace está nuestra reseña completa.

23

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018). Compositor: Daniel Pemberton.

24

Only Lovers Left Alive (2014). Compositor: Jozef van Wissem y SQÜRL. Jim Jarmusch marcó la década con sus películas, y también, créanlo o no, con su música. Ya no sólo seleccionaba buenas composiciones para sus largometrajes, sino que también decidió aventurarse como compositor a través de su banda SQÜRL. En “Only Lovers Left Alive”, una historia de vampiros modernos, Jarmusch invita también a Jozef van Wissem para que con su laúd, ambos artistas puedan aportan en una banda sonora que funciona tan bien en las calles de Marruecos (“Sola Gratia (Part 1)”, “Sola Gratia (Part 2)” y “Steets of Tangier”) como en las calles de Detroit (“Streets of Detroit)”, en la tensión y en las relaciones de amor (“Our Hearts Condemn Us”). Todo nuestro análisis en este enlace.

25

Gone Girl (2014). Compositores: Trent Reznor y Atticus Ross. El tiempo hará justiciar a “Gone Girl”, sin dudas un top-5 en la carrera de Fincher pero que lamentablemente, no obtuvo el reconocimiento (mas en salas que en crítica) que merecía. Nuevamente los invitados a musicalizar fueron Trent Reznor y Atticus Ross, quienes entregan un trabajo que no tiene mucho que envidiarle a “The Social Network”. Son pistas y pistas de buenos temas (misma estrategia de no tener un tema principal), que crean la atmósfera de este thriller psicológico donde nada tiene sentido. El inicio con “What Have We Donde to Each Other?” provoca incertidumbre, “Empty Places” dolor, “Clue One” hace sentir avances, “Like Home” nostalgia, “Technically, Missing” -la más Social Network- una oscura esperanza, etc.

26

Gravity (2013). Compositor: Steven Price. Durante casi todo el 2013, “Gravity” fue mi banda sonora culpable. La encontré buena (muy buena) en el cine, pero nadie la comentaba como esperaba que fuese comentada. Con el paso de los meses llegó el reconocimiento -Óscar de por medio-. ¿Justificado? Por supuesto. No sólo es una atrevida banda sonora de un Steven Price que también conocimos en esta década, sino también funciona perfecto en pantalla, con los silencios que el equipo de Cuarón va ofreciendo (“Above Earth”, por ejemplo). Moderna, espectacular de entrada (“Debris”), aporta en la incertidumbre y violencia del incidente que nuestros protagonistas viven en el espacio. Los momentos inesperados como la aparición de un astronauta fluyen perfecto (“Airlock”) y en el emotivo regreso a tierra (“Gravity”).

27

Steve Jobs (2015). Compositor: Daniel Pemberton. Nuevamente, Daniel Pemberton aporta una nueva película al listado, esta vez una de las tantas películas de Steve Jobs que nos dejó esta década (la mejor de hecho, la de Danny Boyle).  El soundtrack está divide en 3 actos (uno análoga con sintetizadores, uno orquestal y otra totalmente digital), de acuerdo a la música imperante en cada uno de los momentos y lugares en que Jobs lanza sus productos. Nosotros elegimos una canción de cada momento. “The Skylab Plan”, y su inmejorable ritmo. La orquesta en “Revenge” mostrando el lado más ambicioso y oscuro de Jobs (en una película que no busca ni remotamente alabarlo como persona). Y la música electrónica en “1998, The New Mac.”, en el lanzamiento de un computador que redefinió una era.

28

Black Panther (2018). Compositor: Ludwig Göransson. Aunque suene duro, estos 10 años estuvieron marcados por pobres propuestas musicales de Marvel en el MCU. Tendencia que empezó a romperse en la segunda mitad de la década, y que encontró su primer gran trabajo (o indiscutiblemente reconocido) en “Black Panther”, de un desconocido para entonces Ludwig Göransson. La gran virtud de esta banda sonora es transmitir fielmente el sabor africano de Wakanda (“Wakanda”, “The Great Mound Battle”, por nombrar algunas) , con el sonido urbano de Estados Unidos (“Killmonger”).  En este enlace pueden leer todo lo que dijimos de “Black Panther”, y acá nuestra recopilación del Marvel Cinematic Universe.

29

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (2017). Compositor: Carter Burwell. Para algunos, dentro de los que no me encuentro, Carter Burwell construyó la banda sonora de “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” con un tema principal repetido hasta el cansancio. Es cierto, aparece harto, pero como un excelente recurso. Desde la Mildred doliente (“The Deer” o “My Dear Anne” en la carta de despedida del Policía), hasta la Mildred luchadora por que se haga justicia con su hija (“Mildred Goes To War”, “Billboards on Fire”), la apuesta de Burwell es simple y bella. Nominada al Óscar en su momento, acá la comentamos en extenso.

30

Jane Eyre (2011). Compositor: Dario Marianelli. Como sabrán, Dario Marianelli es uno de los compositores favoritos de BSO Magazine. Y esta década nos dejó uno de sus mejores trabajos. En conjunto con el violinista británico Jack Liebeck, tenemos la banda sonora basada en violín más hermosa de la década (algo como La Lista de Schindler moderna). El trabajo es tan bueno, que creo excede en reconocimiento a la cinta misma, siendo el sabor más fresco en una historia tantas veces contada. El tema principal se escucha en magnitud en “Yes!” y “Awaken”, los puntos más altos del disco.

31

Locke (2013). Compositor: Dickon Hinchliffe. “Locke” se construye bajo una propuesta bien simple: Ivan Locke es un exitoso jefe de obras, que por un motivo que no conocemos, previo al despacho más grande de cemento de la historia de UK, decide no volver a su casa y sumirse en un viaje, siendo nuestra misión descubrir por qué. Un proyecto absolutamente minimalista, construido en base a interesantes diálogos y constantes primeros planos de Tom Hardy, los que son complementados con una banda sonora limpia y moderna de Dickon Hinchliffe, que construye al personaje (“Ivan Locke”, “Confession”, “Closing Roads” y “Not your home” son las obligatorias).

32

Cloud Atlas (2012). Compositores: Tom Tykwer, Johnny Klimek y Reinhold Heil. El adaptar la novela de David Mitchell significaba una serie de gravísimos desafíos para los hermanos Wachowski y Tom Tykwer, en especial de historia y conexiones, pero quizás el más desafiante de ellos era transmitir bien el Cloud Atlas Sextet de la novela y su influencia en la historia a una partitura real. El resultado logrado por Tykwer y sus colabores Klimek y Heil en este sentido fue absolutamente alabado (“The Cloud Atlas Sextet for Orchestra” es una obra maestra, aunque pueden verlo más minimalista en “Temple of Sacrifice”), en una banda sonora que es totalmente atemporal (llegando hasta el modernísimo “Sonmi-451 Meets Chang”) y puede jugar perfectamente en cada uno de los momentos de la película.  Lástima que las expectativas no satisfechas de la película hayan afectado la valorización de la música.

33

War of the Planet of the Apes (2017). Compositor: Michael Giacchino. Giacchino estuvo lleno de buenos proyectos estos 10 años (“Rogue One”, “Inside Out”, “coco”, sólo por nombra algunos), pero el que más me gusta por estar lleno de personalidad. Es realmente interesante la construcción de la huída de los simios de la base donde son prisioneros (“A Tide in the Affairs of Apes” y “Planet of the Escapes”) llena de instrumentos que parecen tribales.  Con todo, nos quedamos con la sentimentalidad de “Exodus Wounds”, que refleja las heridas propias de César en esta migración forzada a la que no puede acceder por la rabia que siente al ver a su familia asesinada. Este fue otro notable año para Giacchino, y el planeta de los simios su mejor trabajo.

34

’71 (2014). Compositor: David Holmes. Como la idea de este listado es que ustedes también puedan llegar a esa increíble banda sonora de esa película que no habían escuchado, “’71” puede estar primera en sus listas. La película de Yann Demange llegó a mis manos por suerte, en un SANFIC, donde soldado británico extraviado tras líneas enemigas en Belfast en medio de supuestas operaciones humanitarias debe huir por su vida. Hay dos temas principales en la música de David Holmes a mi juicio. El primero está marcado por esa guitarra cuando llegan a Irlanda, donde lo que más impresiona es la juventud de los soldados que van al frente. El segundo tema musical es mucho más electrónico y distorsionado. La extrema supervivencia de Gary Hook y las ayudas menos pensados, en una Belfast disputada entre las fuerzas del IRA y los adherentes al régimen británico. Lamentablemente la versión de Spotify no divide el tracklist, por lo que nos vemos en la obligación de poner el disco completo en nuestro playlist.

35

Mandy (2019). Compositor: Jóhann Jóhannsson. Luego de caerse a última hora de dos proyectos muy importantes (“mother!” Y “Blade Runner 2049”), Jóhann Jóhannsson dejó un hermoso proyecto de despedida en “Mandy” de Panos Cosmatos. Una película visual y musicalmente apelativa, donde Jóhannsson presenta un hermoso tema de amor (“Mandy Love Theme”) en una historia donde la oscura secta y la violencia de la venganza son el principal ingrediente (“Seeker of the Serpent’s Eye” y “Children of the New Dawn”) de una de las bandas sonoras independientes más interesantes de la década. Vean nuestro análisis en extenso en este enlace.

36

Swiss Army Man (2016). Compositores: Andy Hull y Robert McDowell. Si tuviera que elegir una película que me encantaría que viesen, esa sería “Swiss Army Man”. Esta tragicomedia protagonizada por Daniel Radcliffe y Pau Dano tiene un increíble sabor Sundance y una banda sonora particularmente notable para una producción de menor envergadura. La música de los desconocidos Andy Hull y Robert McDowell toca esa vibra espiritual o sentimental de una historia que es capaz de caminar por la delgada línea de lo correcto y lo incorrecto, o de la prudente e imprudente. Y de una amistad para siempre (“Finale” y “A Better Way”).

37

Your Name. (2016). Compositores: Radwimps. En poco tiempo, “Your Name” se volvió un clásico de culto inmediato. Una película que reflejaba lo mejor cultura pop japonesa, gracias a una notable historia y probablemente, a una banda sonora que sabiamente se le confió a la banda como Radwimps, con un nicho más que capturado en Japón y el mundo y que se abría espacio en el mundo. Hablamos de una de las grandes películas de 2016, y con temas de piano sencillos como el de Mitsuha que a nosotros nos encantaron. Un análisis en extenso en este enlace.

38

Jackie (2016). Compositora: Mica Levi. En un mundo donde las mujeres encuentran tan pocas oportunidades, Mica Levi irrumpió con todo con 3 grandes resultados durante los 2010’s: “Under the Skin” el 2013, “Jackie” el 2016, y “Monos” recientemente el 2019. Todas películas de autor y con mucha identidad. Para este listado nos quedamos con la cinta de Pablo Larraín, que con su estética sobria y silente, reconstruye a Jackie Kennedy. La música de Levi para mi es como una constante marcha fúnebre, donde Jackie se vio forzada a participar y exponerse al mundo. Cada tema es como un paso tras el carro fúnebre, por eso no se sorprendan del tono oscuro de la música. Nuestro análisis en complete en el siguiente enlace.

39

The Girl with all the Gifts (2016). Compositor: Cristóbal Tapia de Veer. El nombre de Cristóbal Tapia de Veer podrá ser recordado por ustedes por “Utopia” o “National Treasure”, pero en el mundo del cine tiene una joyita que tiene que ser rescatada en “The Girl with all the Gifts”. Por donde se le mire esta banda sonora es única y con identidad propia, con un tema principal tan variado en instrumentos que cuesta un poco entender (y ahí la virtud de Tapia) con qué construye su música este increíble compositor. Les recomendamos escuchar una y otra vez “Gifted” para que vean el color de la música que hablamos y cierre con “Tree Of Life”.

40

The Theory of Everything (2014). Compositor: Jóhann Jóhannsson. Si nos faltaban motivos para adorar a Jóhann Jóhannsson, y en resumen, sufrir todavía más su pérdida, les dejamos otro gran trabajo del compositor islandes, en una película más pop que demostró lo versátil que era. Jugándosela por un trabajo más emotiva, aborda perfecto la historia de “The Theory of Everything”, que no es otra cosa que una historia de amor. Por lo mismo, no conozco tema más emotivo en los últimos años que “A Game of Croquet”, pero en especial “A Modelo of the Universe”, donde sólo con miradas y el sencillo piano de Jóhannsson, Stephen y Jane se dicen todo. En el siguiente enlace, una reseña completa de este trabajo.

41

Moonlight (2016). Compositor: Nicholas Britell. Breve. Sencilla. Hermosa. Así definiría la banda sonora de Nicholas Britell en la primera cinta de Barry Jenkins, “Moonlight” el 2016. Una historia sobre personajes afroamericanos que rompe todos los esquemas o prototipos que temenos respecto de ellos, y en la cual Nicholas Britell se incorpora con total elegancia, mereciéndose una nominación a los Óscar. Como les dice, son temas breves que construyen l0s 3 momentos de la película, con una humanidad tan grande como la verdad de Chiron. Los créditos finales bastarán para convencerlos (“End Credits Suite”).

42

Ex Machina (2014). Compositores: Geof Barrow y Ben Salisbury. Dos compositores que se integraron con todo al mundo de la ciencia ficción durante estos años fueron Geof Barrow y Ben Salisbury. “Ex Machina” es una pequeña obra maestra y un verdadero juego psicológico. ¿Por qué? Ambos nos muestran a Ava con una música sencilla, totalmente humana, influyendo en la confusión de qué se debe entender por humanidad y qué no. Un camino hacia una trampa, hasta que Ava se muestre tal cual es (“The Test Worked”). Pueden revisar nuestro análisis en extenso en este enlace.

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Lion (2016). Compositores: Dustin O’Halloran y Hauschka.  Así como Nils Frahm, llevábamos tiempo esperando una incursión (o al menos una más intensa) de Dustin O’Halloran en el mundo de las bandas sonoras, lo que logra con el pianista y compositor aleman Hauschka. Este es un trabajo con un tema principal (“Lion Theme”) en piano absolutamente humano y cercano. Pero el segundo tema principal, el de la búsqueda, es para mi el más emotivo. Lo vemos en “Memories” cuando buscan la casa de su madre en base a los recuerdos y con ayuda de Google Earth. Acá pueden revisar nuestro análisis completo a esta banda sonora.

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The Hobbit: An Unexpected Journey (2012). Compositor: Howard Shore. Es cierto que ni la nueva trilogía de Jackson ni la banda sonora de Shore están a la altura de la música de The Lord of the Rings, pero El Hobbit es un facsímil bastante razonable de ese trabajo. De entrada, Shore se conecta con LOTR con el tema de los hobbits y otros (en “My Dear Frodo” pero en especial “Old Friends”), y desde entonces empieza a mostrar las nuevas piezas. Inolvidable se volvió la versión del elenco de “Misty Mountains”, lo que sentó el tema que vendría luego a ser el de viaje como fuera antes el de la Comunidad (“The World is Ahead”, “Over Hill”), en lo que fue el soundtrack que daría inicio a una nueva red de temas musicales para el mundo de Tolkien.

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Beasts of the Southern Wild (2012). Compositores: Dan Romer y Benh Zeitlin. “Beasts of the Southen Wild” fue una película que pasó bastante desapercibida por estos lados, y que probablemente, 8 años después el mundo habría valorado mucho más. Mezclando fantasía con una cruda realidad, cuenta la historia de Hushpuppy, una joven niña criada por su padre en una isla amenazada por inundaciones, enfrentándome el peor de los escenarios luego que su papá se enferma. La música es sencilla, como la realidad de Hushpuppy. Precaria podría ser. Por ejemplo, algo que parece un ukelele en “The Smallest Piece”. Pero al mismo tiempo, llena de sueños, magia y rebeldía, como en verdad es casi todo el resto de la banda sonora (“Until the Water Goes Down”, “The Survivors”, y en especial “Once The Was a Hushpuppy”). Un excelente trabajo de Dan Romer y Benh Zeitilin, también director de la película.

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La Tortue Rouge (2016). Compositor: Laurent Pérez del Mar. Una coproducción de Wild Bunch con Studio Ghibli, “La Tortue Rouge” es una de las películas más emotivas que nos dejó la década. Carente de diálogos, la música de Laurent Pérez del Mar es clave en la expresión de emociones, en este constante soñar y despertar en de nuestro personaje en la solitaria isla. Por lo mismo, la aparición de la mujer en “The Girl” es totalmente onírica, y desde entonces, la familia que construyen (con los problemas que viven en la isla), construyen un increíble tema de amor que pueden identificar en toda la cinta (“Love in the Sky”).

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The Dark Knight Rises (2012). Compositor: Hans Zimmer. La mayoría de los temas musicales ya estaban desarrollados cuando Nolan nos entregó “The Dark Knight Rises” el 2012, sin embargo Zimmer terminó el trabajo con Bruce Wayne y Batman de la mejor manera. Una Gotham aislada (“Gothams’ Reckoning”), con un enemigo que lleva el nivel de violencia a las calles a un extremo nunca antes visto. Hablamos de Bane, que como nadie en el mundo de Nolan, tiene un tema musical muy desarrollado, tanto como el proceso que vive Bruce para poder volver a salvar a Ciudad Gótic (“Fear Will Find Your” y “Why Do We Fall?”). Como siempre, la alianza Nolan-Zimmer es notable en temas de persecución y batalla, como “The Fire Rises”, que es una excelente despedida al mejor Batman que hayamos visto.

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Hanna (2011). Compositores: The Chemical Brothers. Si vemos a Hanna, vemos a una inocente niña que vive con su padre (“Hannas Theme”). Si conocemos a Hanna, en cambio, sabemos que es una arma de destrucción perfecta, intensa y poderosa. Esta doble perspectiva es el punto más alto en la banda sonora de The Chemical Brothers. Por un lado, “The Devil in the Details” es tierna e ingenua, pero por su parte “The Devil Is In The Beats” es potente y segura, mostrando a Hanna en todo su poder. Para qué hablar de la música de fuga o combate, donde vemos a una de las bandas electrónicas más icónicas de este siglo (“Escape 700” y “Contianer Park”).

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King Arthur: Legend of the Sword (2017). Compositor: Daniel Pemberton. A estas alturas, deben saber que “King Arthur: Legend of the Sword” es uno de los placeres culpables de esta página. Junto con confirmar que Daniel Pemberton es un crack en lo que se refiere a crear mundos, mostró que su versatilidad va desde películas de personajes históricos a modernos, de batallas a dramas, etc. En este caso, lo mejor está en la música que Arthur entrega a Londres (“Growing Up Londinium”, “Jackseye’s Tale”), donde Arturo se cría. La música habla de un maestro en las calles. Esta música convive perfecto con la música mas medieval y mágica relacionada a Excalibur (el destino de Arturo) y el enfrentamiento con Mordred (“The Born King” presentándose, y en “The Power of Excalibur” en esplendor). Encuentran un análisis en extenso en este enlace.

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Joker (2019). Compositora: Hildur Guðnadóttir. Nuestro listado lo cierra una película de 2019, “Joker” de Hildur Guðnadóttir. Probablemente la película más comentada del año, y la que tuvo más incidencia social, donde Hildur Guðnadóttir se consagra como la gran heredera del ya fallecido por entonces, Jóhann Jóhannsson. La música tiene por momentos un sabor todavía más oscuro que el personaje de Arthur, pero cuando la línea musical se encuentra con la psicológica, se logra una sintonía hermosa como la que vemos en la escena final donde Arthur es levantado en brazos y reconocido por todos quienes se sienten excluidos (“Call Me Joker”). En este enlace nuestro análisis en extenso a este trabajo.

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